viernes, 5 de febrero de 2016

Proyecto: "Marta puede tocar la guitarra"

Resumen

Este proyecto esta realizado con una alumna Síndrome de Down de 24 años en la actualidad y pretende hacerle conocedora de un nivel de Lenguaje Musical, así como del dominio técnico de la guitarra equivalente al Grado Elemental completo que se realiza en nuestro conservatorio.

Objetivos

Desarrollar en Marta las capacidades mentales-intelectuales necesarias para leer perfectamente una partitura musical y expresar ese conocimiento con el instrumento guitarra con toda normalidad y corrección.

Con respecto al instrumento guitarra, los objetivos son la adquisición de una técnica lo más perfectamente posible, cuidando colocación de manos, perfecta coordinación de las mismas, producción del sonido, desarrollo de la psicomotricidad manual y en definitiva la capacidad de interpretar música con la guitarra.

Cuerpo

Este proyecto tiene unos antecedentes que deseo relatar porque también forman parte de los resultados que hasta el momento hemos conseguido.

Hacia finales de 2009, se presenta en mi clase un señor el cual dice llamarse D. Gregorio Sánchez del Villar y Lebrero, psicólogo de profesión y profesor en aquel momento en el veterano y prestigioso Instituto Murillo de Sevilla.
Me dice que ha oído hablar de mi y que desea que su hija Marta Sánchez del Villar y Espigares, para más datos Síndrome de Down, y entonces de 18 años de edad tiene mucho interés en que yo pueda trabajar con ella enseñándole música y específicamente el aprendizaje de la guitarra.

Yo le contesto que en aquellas puntuales circunstancias no podía hacerme cargo de lo que él me solicitaba, y ni siquiera veía cauce para que realizara oficialmente los estudios correspondientes en nuestro conservatorio. Sin embargo, le ofrecí la posibilidad de que Marta estudiara con mi hijo Sergio Calero Fernández, el cual se encontraba entonces terminando la carrera superior de música en la especialidad de guitarra, pudiendo ser el encargado docente perfecto para asumir enseñarle música y tocar del mejor modo, el instrumento guitarra.
Este trabajo con Marta, le manifesté que sería realizado por Sergio pero yo mismo haría un seguimiento interesado para que la alumna consiguiera el mejor rendimiento.

D. Gregorio días más tarde me contestó que estaban interesados en aceptar mi ofrecimiento, y sobre la marcha comenzaron las clases.

El trabajo con Marta se planteo en sesiones semanales de hora y media (90 minutos).

El contenido de esas clases incluía nociones elementales de Lenguaje Musical (solfeo), reconocimiento de notas, figuras, silencios, pentagrama, líneas adicionales, líneas divisorias, ejercicios de ritmo, teoría en general.
Se excluyeron específicamente los ejercicios de entonación por observar dificultades en Marta para reconocer y entonar sonidos. No obstante, se vio, que tales dificultades no impedían el aprendizaje normal de todo lo demás indicado.

La alumna aprendió a colocar perfectamente las manos en la guitarra, así como adoptó desde el principio una correcta posición del cuerpo con respecto al instrumento y al asiento.

Después de desenvolver las manos en la guitarra, con ejercicios sencillos con ambas manos simultáneamente, pasó a aprender melodías conocidas y pequeñas canciones en planteamientos melódicos, es decir, a una sola voz. También aprendió el conocimiento de los más usuales acordes en modo mayor y menor, con intención de que pudiera acompañar algunas canciones cantadas por otras personas.

Desde el primer momento de comenzar las clases, Marta mostró un inmenso interés y entusiasmo por todo lo que se le proponía por parte de su profesor, Sergio, asistiendo a cada sesión o clase con gran entusiasmo por su parte y claras intenciones de aprender y llegar a dominar todos los trabajos que se le presentaran.

Hay que decir que el nivel de técnica, conocimientos y aprendizaje en general de contenidos, fue adaptado convenientemente para sus capacidades físicas (manos), intelectuales o mentales. Sin embargo, hay que decir también, que todos los contenidos transmitidos a Marta fueron planteados para que alcanzara un rendimiento máximo y con la mayor perfección. No se trato nunca de hacer un acto caritativo hacia una persona hipotéticamente discapacitada.

En el apartado de lenguaje musical, los contenidos se hicieron con un nivel equivalente a primero/ segundo de grado elemental de conservatorio.

En definitiva, esos fueron los trabajos realizados por Marta durante algo más de dos años, consiguiendo un nivel bastante bueno y homologable a lo alcanzado por alumnos sin las limitaciones que a priori pudiera presentar Marta por su condición de síndrome de down.

Conseguimos que tocara en reuniones de amigos en distintas ocasiones, lo cual fue para ella motivo de aliciente y siempre daba un paso al frente cuando se le proponía hacerlo.

Marta fue siempre una hija inmensamente querida por sus padres, familiares y amigos. Desde su nacimiento fue intelectualmente estimulada por su padres para el aprendizaje y conocimiento de distintas disciplinas en general. Gimnasia rítmica, bailes de salón, trabajos de manualidades, visitas a museos, viajes culturales, lugares monumentales (Alhambra de Granada, Mezquita de Córdoba, Reales Alcázares de Sevilla, etc.) y todo tipo de viajes.

Marta en la actualidad realiza un trabajo diario en una empresa farmacéutica en horario de 9,30 a 13,30 horas. Con ello demuestra una vez más, su total integración en la vida normal de cualquier ciudadano bien integrado en nuestra sociedad.

Es como consecuencia de que mi hijo, Sergio Calero, proyectara realizar unos estudios de máster fuera de España, más en concreto, en Düsseldorf, Alemania, cuando vimos que se acababa esa productiva etapa superada con éxito, y terminaba no porque Marta no quisiese seguir trabajando en el aprendizaje de la música y la guitarra, sino porque su profesor tenía que marcharse indefinidamente para completar sus estudios de virtuosismo en el extranjero.








PROFESOR RESPONSABLE DE ESTE PROYECTO:

ANTONIO CALERO VALVERDE









SEVILLA, VIERNES 29 DE ENERO DE 2016

lunes, 1 de febrero de 2016

Creatividad en enseñanzas elementales de piano

Resumen
El presente trabajo se basa en el estudio sobre la creatividad musical en los alumnos de 1º de grado elemental. Se ha elegido a estos alumnos por estar libres de influencias académicas musicales.
Para llevarlo a cabo propondremos al alumno realizar el siguiente trabajo:
  • Escribir un relato corto tipo cuento, para el cuál compondrá una música adecuada al texto. Podrá utilizar canciones propias, efectos sonoros producidos por con el piano, etc…
  • El profesor profesor dotará al alumno de los elementos básicos armónicos, melódicos, rítmicos e improvisatorios, para la realización de la música.
  • La improvisación será la herramienta básica que vertebra el presente trabajo.
Objetivos
  • El objetivo principal es desarrollar la creatividad en el alumno.
  • Adquisición de conceptos básicos musicales.
    • Ritmos binario y ternario
    • Legato y stacccato
    • Forte y piano
    • Escalas y arpegios
    • Intervalos de 3ª, 5ª, 8ª, etc...
  • Reconocimiento de las tres funciones básicas armónicas: tónica, dominante y subdominante.
  • Aprender a improvisar a través de los conceptos anteriormente citados.
Introducción
El estudio sobre el desarrollo de la creatividad en el que se basa este trabajo se fundamenta en la interrelación de la literatura y la música. Según el diccionario de la RAE “creación” es la capacidad de crear y “crear” según el mismo diccionario es; producir algo de la nada como 1ª acepción y como 2ª, establecer, fundar, introducir por vez primera algo, hacerlo nacer o darle vida, en sentido figurado.
El diccionario de Latín amplia aún mas el concepto de crear y dice , “hacer que algo exista”. La música ,no olvidemos , es un arte que se desarrolla en el tiempo y goza de la vida que le da el ritmo (la división abstracta que hacemos del espacio-tiempo). Al igual que los segundos marcan un ritmo constante, como si de un ostinatto se tratara, en el tiempo cronológico, así también nosotros podemos crear y combinar distintas agrupaciones métricas a las que llamamos compases que combinado con el sonido producirán la música. El ritmo ha producido en diferentes compositores a lo largo de la historia de la música efectos muy diversos e interesantes. Por ejemplo, la música de J.S. Bach recibe su motricidad de la energía rítmica. La energía motívica determina su linealidad. Motricidad y linealidad son dos características que encontramos en el principio formal del “fort-spinnung” barroco.
Presentación del trabajo al alumnado
En un primer lugar el profesor expondrá al alumno las líneas principales del trabajo a realizar, que consistirá en componer música adecuada y adaptada a un relato corto, en verso o en prosa escrito por el alumno.
Las herramientas y no reglas propuestas para tal composición consistirán en:
  • Efectos sonoros producidos por el piano: cuerdas percutidas con diversos instrumentos (porras de percusión, baquetas, pelotas de pin pon, etc…), colocación de hojas de papel en las cuerdas, acordes en clúster, etc…
  • Conocimientos básicos armónicos (tónica, subdominante y dominante)melódicos, rítmicos (compás binario y ternario) y sus implicaciones dinámicas.
  • Conceptualización de formas musicales. El profesor dará a conocer al alumno varias formas musicales elementales que podrán utilizarse para la composición (canción , danza, etc.).
Todos estos recursos serán presentados al alumno de forma muy básica y con ejemplos realizados por el profesor así como ayudado por grabaciones audio-visuales. Para llevar a cabo el trabajo el alumno tendrá absoluta libertad para utilizar todos los recursos anteriormente mencionados. La improvisación será la herramienta básica para el desarrollo del trabajo y será el eje conductor de todos los elementos musicales que lo forman.
Conclusiones
Sabemos que el estado anímico en el que se encuentre el músico en ese momento, condiciona irremediablemente el carácter de la obra que esté interpretando o componiendo, y así como los concertistas antes de un concierto se preparan mental y anímicamente, y así también los deportistas antes de un partido, igualmente lo hará cualquier persona que fuese a hacer algo originalmente creativo.
Por todo lo expuesto anteriormente pienso que el profesor debe de favorecer un clima de concordia y sociabilidad entre los alumnos , así como con respecto al trabajo a realizar. Generando así la cooperación y complicidad entre los alumnos para la consecución de un buen fin creativo.
Esta investigación aporta los resultados del trabajo puesto en práctica durante el primer trimestre del presente curso 2015-16 . Audición del 15 de diciembre de 2015 con los alumnos de primer curso de grado elemental del c.p.m. Francisco guerrero de Sevilla.

miércoles, 27 de enero de 2016

Bajo caminante en la sección "B" del "Auttumn Leaves".

RESUMEN:
  La improvisación a través del cifrado americano que se usa en la música moderna y el jazz está fundamentada en técnicas de enlaces tanto de acordes como en el  uso de un bajo caminante que acompañe a la melodía como a la armonía o el ritmo. 
OBJETIVOS:
  • Conseguir destreza en la elaboración de un acompañamiento basado en un bajo continuo. 
  • Aplicar posibilidades de enlaces para la mano izquierda.
  • Desarrollar una mente abierta que utilice la experimentación como búsqueda sin perder las leyes basadas en la cercanía de las voces.
  • Familiarizarnos con el lenguaje de la improvisación.




CONCLUSIONES:

  En la actualidad, las tecnologías de investigación y comunicación se han convertido en la mayor herramienta para acercarnos a cualquier disciplina y hacérnosla posible. En este tutoríal propongo una de las muchas formas existentes de crear un bajo caminante que acompañe a un clásico como es “Autumn Leaves”. Teniendo en cuenta que sus acordes comparten enlaces usados en prácticamente todas las músicas (I-IV;VII-III; II-V), este standard nos servirá de lucero para introducirnos en el apasionante mundo de la improvisación. 

martes, 26 de enero de 2016

II JORNADA DE LA PLATAFORMA POR LA RENOVACIÓN PEDAGÓGICA EN LAS ENSEÑANZAS ARTÍSTICAS (REM)

Tras una primera reunión celebrada en nuestro Conservatorio en el mes de Noviembre, invitamos a todas aquellas personas que sientan inquietudes por mejorar el sistema educativo musical desde el aula a que acudan a un nuevo encuentro que se celebrará en el Conservatorio Elemental de Triana el Martes 9 de Febrero a las 10:00  horas.
En este encuentro podremos escuchar tres buenas prácticas en las que alumnado de Conservatorios y colegios son capaces de desarrollar proyectos escénicos de calidad que trascienden sus propios centros y que ocupan espacios escénicos como El Teatro Maestranza, el de Alcalá de Guadaira o el de Utrera.
Tras la reunión se expondrán las novedades de la plataforma REM


sábado, 23 de enero de 2016

CREAR “PARTITURAS EN LÍNEA” PARA LA CLASE DE INSTRUMENTO. parte I



RESUMEN:
Mientras que en los colegios se refuerza el aprendizaje de flauta con recursos web, la enseñanza instrumental de los centros musicales vivimos al margen de estas posibilidades. Son ya muy habituales las páginas web de la asignatura de música en colegios donde se generan presentaciones para aproximar el repertorio a tocar con el alumnado. Aunque no tienen un nombre generalizado porque existe una gran variedad de variantes, normalmente se conocen como partituras en línea o interactivas.

OBJETIVOS que se persiguen al introducir el uso de partituras en línea:
- Desarrollar la concentración y la audición como condiciones necesarias para la práctica e interpretación de la música.
- Desarrollar la sensibilidad musical, favorecer el interés y una actitud positiva ante el hecho artístico relacionado con la música.
- Despertar en el alumnado el aprecio y respeto por los diferentes estilos de música desde su instrumento.
- Acercar al alumnado a las nuevas tecnologías y aplicaciones web.

DESARROLLO:
En numerosas ocasiones al profesorado de conservatorio (principalmente el de instrumento) le gustaría que el alumnado escuche mucha más música e incluso en diferentes versiones de instrumentistas (orquestas, directores, solistas…) además de escuchar a su profesor en clase. Esto nos ocurre, sobre todo, cuando se plantea repertorio original y especialmente ante instrumentos de corte tradicionalmente clásico (como la trompa, oboe o fagot) .

Hay que ser realista y asumir que la gran mayoría del alumnado de nuestros conservatorios, por su edad, tienen muy poco interés por la música creada en épocas anteriores a la suya. Por tanto, es tarea nuestra realizar esta invitación de una manera amena, interesante y gratificante para el alumnado para que en ese proceso lleguen a disfrutar tanto de la audición como en la interpretación de ese repertorio. 

La realidad es que todo profesor realiza cualquiera de las siguientes acciones para que escuchen música, se documenten y que tengan más herramientas para preparar las partituras:
-Préstamo o recomendación de diferentes versiones del repertorio (en CDs, memoria USB,
enlaces en youtube o Spotify…)
-Envío por e-mail de acompañamiento de piano sin solista (minus one).
-Invitación a documentarse sobre autor, obras o estilo musical.  

Cualquiera de las anteriores opciones y cualquier otra que contribuya a alimentar el interés musical por cualquier tipo de estilo musical es bienvenido y aplaudible pero nos encontramos que sólo son factibles cuando el alumnado ya ha despertado el interés y el aprecio básico por dicha música.

Las causas del fracaso pueden ser múltiples como: el reproductor de CD no me funciona, solo tengo acceso al ordenador los fines de semana, no puedo leer el formato del archivo, no he recibido ese correo, en la Wikipedia no dice nada…. Todas estas razones pueden ser totalmente reales pero nos inspiran una nula motivación por escuchar este repertorio fuera del aula y su estudio personal.

Basándonos en un recurso que utilizan de forma rutinaria el profesorado de música de los colegios, me gustaría lanzar una invitación a experimentar con las partituras en línea  o digitales que ellos denominan y todas las posibilidades que nos pueden brindan.

Por partituras en línea se entiende una página web donde de forma clara y simple se presentan los elementos que queremos que el alumnado toque, escuche y se documente.  Los elementos básicos que suelen aparecer son:
- Título de la pieza
- La partitura de la pieza.
                  - Se visualizada de manera completa (pdf básico)
- Se visualiza solo el pentagrama que está sonando y éste se va moviendo
                  - Con posibilidad de transportar o cambiar el tono original
- Vídeos o audios de la pieza con diferentes versiones.
- Vídeos o audios con los acompañamientos sin solista (en sonido real o midi).

En esta primera entrada sobre este tema, os presento una página tremendamente sencilla y básica. En ella se puede ver la partitura de un concierto para trompa de Mozart con un audio del acompañamiento para que el alumnado pueda tocar encima, un vídeo con la partitura desplazándose a la velocidad de la música para poder seguir la partitura y dos versiones de trompistas famosos.


En siguientes entradas iremos añadiendo más elementos como la partitura en línea (en movimiento), posibilidades para variar la velocidad o la altura y una guía para encontrar audios y partituras para poder insertar en nuestras presentaciones.

La presentación anterior se ha confeccionado en base a un blog de Wix.com. Aunque en la red existen muchos blogs o páginas web gratuitas (Wordpress.com, Weebly.com, IMCreador.com, Jimbo.com, websitebuilder.com, Yola.com, Webs.com, Blogger.com…) el más sencillo y extendido para estos usos es WIX.COM.
Aunque es tremendamente sencillo e intuitivo (y además está en castellano) podéis encontrar diversos tutoriales en la red sobre cualquier aspecto. Lo más importante ante cualquier edición de páginas web es empezar y tener un poco de paciencia.  Una vez se registra como usuario y se crea un nuevo sitio, lo siguiente será agregar desde el desplegable de la barra de la izquierda todos los enlaces y archivos que se desee.


CONCLUSIONES:
Realizar presentaciones sobre web o blog puede resultar muy útiles para el alumnado que no tiene el hábito de escuchar música en soporte físico o en la red. Estos recursos se pueden plantear como base para que ellos los amplíen o se encarguen de realizar algunos similares de otro repertorio que necesiten o les interese. Aprovechando la gran herramienta que son los smartphone, estos recursos puede ser una buena forma para acercar al alumnado a las nuevas tecnologías en el estudio del instrumento.


WEBGRAFÍA:
Ejemplos de Blogs de profesorado de primaria que utilizan partituras en línea o digitales:

miércoles, 20 de enero de 2016

Ritmo-rap: Una forma de aprender ritmo de manera distinta en clase de lenguaje musical.

Resumen:

Una de las finalidades más importantes dentro del marco de la enseñanza musical, sea del tipo que sea, es el disfrute personal y la vivencia de la música en primera persona, haciendo por un instante su reproducción como parte de nuestra esencia. Compartir esta vivencia y desarrollarla dentro del aula individual y colectiva es uno de los mayores placeres del mundo para los profesores que buscamos establecer multiples lazos por medio de la música. Mientras haya lazos musicales los alumnos nos seguirán en esta apasionante y dura carrera del músico profesional.  
Pero no todo tiene porque ser duro y serio, también se puede aprender a partir de la improvisación, del juego musical, hacer la materia interesante y participar entre todos del hecho musical de forma atractiva y lúdica. Todos podemos aprender de todos y si fomentamos la creatividad de forma diversa dentro del aula sólo cosas buenas pueden salir.
"Ritmo-rap" es un nuevo concepto de ritmo dentro de las clases de lenguaje musical.

Objetivos:

- Interiorizar el pulso interno de una obra musical.
- Desarrollar la capacidad de seguir la obra musical como si fuera una obra orquestal donde se producen las distintas entradas de los músicos protagonistas o solistas con un denominador común llamado Orquesta-class que es la base de todo rap y no es otra cosa que el ritmo de fondo de toda la clase.
- Coordinar las bases rítmicas de fondo y las solistas creando Polirritmos por los propios alumnos.
- Valorar la importancia del silencio y respeto por las interpretaciones de los compañeros o compañeras solistas.
- Utilizar  los conocimientos que tenemos de lenguaje musical para traducir los ritmos solistas como nuevas Fórmulas rítmicas desarrolladas e inventadas en la clase y en casa repasando el entendimiento y la resolución de estas en la pizarra y diversas formas de escritura musical. 
- Analizar y corregir muchas taras musicales como acentuaciones en síncopas y distintas articulaciones que  ni existen en la partitura ni deben existir si realizamos el ritmo de manera sentida y viva, no como algo monótono apenas perceptible sino como algo tan delicado y sensible que hay que cuidarlo desde su base, matices, acentos, grafía en su justa medida y acentuación.

Puesta en marcha del proyecto:

Lo más sencillo aunque parezca mentira es practicar partiendo de el movimiento y dejando que el ritmo entre en nosotros de forma individual y colectiva.
Comenzamos escogiendo material del libro que seguimos en el Conservatorio Francisco Guerrero. En este caso la lección escogida es la nº 16 del libro.


Os dejo la canción entonada enviada por una de las alumnas:


Este es el ritmo de la lección que va a utilizar la Orquesta Class como base de fondo para el rap, enviado por otra alumna.


Los alumnos y alumnas del conservatorio parten de la lectura musical, de la realización por medio de acentuación con palmas y con la dicción en fononimia con "ta", "ti" o cualquier vocablo de facil articulación. El ritmo como podemos observar es bastante asequible una reproducción desde el punto de vista musical, pero resulta más dificil si su ejecución es el resultado de la coordinación con las manos y la voz como medio de expresión.



También dividimos la clase en dos o más grupos y hacemos diferentes entradas en la partitura a modo de Canon para realizar Poliritmos como preparativo del trabajo individual que realizaremos después.

A partir de la partitura los conceptos erróneos se resuelven por medio de la simplificación rítmica desmenuzando en la pizarra los contenidos más básicos en esencia.
Generalmente las ligaduras, puntillos, síncopas y agrupaciones irregulares, al igual grupos de valoración especial, son denominador común de Taras Musicales que hay que desgranar para simplificar y comprender.
Estos son algunos ejemplos:



A continuación los alumnos empiezan a componer su rap e inician su fase creativa: Para ello siguen unas sencillas instrucciones con recursos tecnológicos por medio del teléfono móvil con el que graban en mp3 los audios con una sencilla aplicación gratuita de grabadora de voz para todos los sistemas operativos y plataformas. Los alumnos comparten sus archivos por email con la profesora que recibe todo el material musical. Fotos con la fórmulas rítmicas inventadas por los alumnos y los audios donde estos ponen en práctica su "Solo rapero".
Esta foto es del material musical de  una de las alumnas del centro. Un formidable trabajo creativo.


Aquí tenemos un ejemplo más complejo del trabajo que han realizados los alumnos.... a tres partes nada menos.

Estos son algunos de los audios entregados: en ellos se puede seguir la propia partitura rítmica que será el trabajo de fondo musical de la Orquesta class y a continuación el sonido de solos de audios con el protagonista solista.





Conclusiones:

Las mejoras en cuanto al entendimiento y la realización exacta de las obras del libro son un hecho. El estudio y avance en el conocimiento de fórmulas más complejas inventadas por los alumnos y alumnas hace posible que la clase se mantenga expectante por intentar acertar con las medidas rítmicas que reproducen. El respeto por las interpretaciones de los compañeros, la valoración del silencio y el seguimiento de las distintas entradas de forma fluida hacen que los alumnos mejoren en concentración y practiquen el seguimiento de la obra como si fuera una orquesta en la que todo fluye.
Independientemente del gusto interpretativo, las ideas de los alumnos se comparten y se busca la comprensión rítmica entre todos. Se favorece la creatividad al mismo tiempo que mejoramos aspectos musicales, desde las cosas más elementales como acentuaciones, articulaciones, discriminación auditiva, trabajamos la coordinación en base a los ejercicios realizados donde utilizamos el cuerpo como instrumento de percusión, entre otras actividades. Todo con una misma finalidad. Hacer partícipe al alumnado como parte viva del hecho musical.


jueves, 14 de enero de 2016

ATENDIENDO A LA DIVERSIDAD EN LAS CLASES COLECTIVAS DE INSTRUMENTO

Ya he utilizado en otras ocasiones un artículo de Tomás Marco en el que se quejaba de que todos los músicos profesionales que logramos formar en los Conservatorios son tan homogéneos que es difícil diferenciar el sonido de las orquestas sinfónicas de todo el mundo. Esto permite asegurar que la palabra diversidad no es algo que guste mucho en los Conservatorios.
Sin embargo, es de los lugares que, sin tener una preparación específica para atender a la hetereogeneidad de un grupo se puede lograr adaptarse a las expectativas, niveles o aptitudes de cada alumno/a por el simple hecho que la mayoría de las clases son de carácter individual: un/a profesor/a - un/a alumno/a.
Todo ello se complica cuando tenemos en el aula alumnado hetereogéneo, en el que cada uno/a necesita una formación diversa compartiendo tiempo y espacio. En esa situación se sienten legitimados para afirmar tajantemente que es imposible dar clase de instrumento con un grupo de tres niños y niñas hetereogéneo; y de ahí se desemboca en la defensa de la clase individual como el único modelo válido en la enseñanza musical, ya que es el que se ha usado toda la vida.
Sin embargo, cada vez me doy cuenta que existe un camino trazado por el mejor profesorado que hay en nuestras aulas que comienza en la defensa de lo individual (1:1) para posteriormente pasar a la aceptación de la clase colectiva 3:1 en los primeros años, siempre y cuando se trate de alumnado homogéneo. Después comienzan a no querer perder los beneficios de la clase colectiva y lo van ampliando a cursos posteriores. El inconveniente de convivir con niveles hetereogéneos se superan con cambios en la metodología utilizada en los últimos siglos. Y así avanzan explorando nuevas fórmulas que terminan desembocando en clase abiertas, sin horarios fijos, con alumnado de diferentes cursos tocando juntos, con aprendizaje cooperativo y con unos resultados (si el servicio de inspección no lo detecta) espectaculares.


Para seguir esta especie de "camino hacia la iluminación" es recomendable tener en cuenta los siguientes principios:
1. Es antinatural encerrar en una habitación a un niño/a de 8 años con un señor/a mayor para dar clase; a los niño/as les gusta estar con los de su edad, la motivación para asistir a clase no suele ser el profesor/a sino sus compañero/as.
2. Hacer grupo es fundamental para crear una identificación con el instrumento o con la actividad; si el alumnado se siente identificado con ello podrá superar las múltiples crisis que tendrá a lo largo de sus estudios, ya que el instrumento vendrá asociado a una serie de valores positivos que no querrá abandonar: su grupo de amigo/as, el ambiente del aula, las actividades que desarrollen, etc...
3. El profesorado de instrumento tiene el oído suficiente como para escuchar quién está haciéndolo bien y quién no en una interpretación al unísono o a diferentes voces. Existen técnicas para que también el alumnado se de cuenta de qué hace bien y qué puede mejorar sin necesidad de someterlo a una ejecución en solitario cuando aún no está cómodo en esta situación. A un profesional (al menos del viento y percusión) le parece normal que un director le haga tocar un pasaje sólo y le de indicaciones sobre su ejecución, sin embargo, esta situación para un alumno/a puede ser el principio de la escalera que termina en el miedo escénico. Ese " a ver, tú solo" no es tan inofensivo como pensamos, al menos hasta que logremos crear un clima de confianza en el que el error no es más que una parte del aprendizaje.
4. No todas las voces para conjuntos del mismo instrumento tienen el mismo nivel de dificultad, y en caso de tenerlo, para eso están los editores de partituras, para hacer arreglos a la medida del nivel de quien va a tocar cada voz; así, alumnado de diferentes niveles puede estar tocando una misma obra.
5. Si tengo 4 alumno/as de un mismo curso o nivel a quien debo hacer una explicación sobre algún aspecto técnico, es mejor reunir a todo ese alumnado y hacerlo una sola vez, liberando tiempo para otros aspectos que tenga que hacer de manera individual.
6. No hay que subestimar las posibilidades del aprendizaje cooperativo. En determinados instrumentos es importante que el alumnado tenga una referencia de afinación, calidad de sonido, potencia, etc.. de alguien de mayor nivel, normalmente es el/la profesor/a, pero pueden ser también los compañero/as.

Tengo recuerdos muy diferentes de las clases en las que mi profesor se sentaba en el aula y me pedía que iniciara la ejecución de lo que había estudiado, yo iba percibiendo su desaprobación por las cosas que estaba haciendo mal y rezaba para que lo antes posible cortara la ejecución y comenzáramos a trabajar pasajes donde estaban los problemas; el recuerdo no es grato. Sin embargo, recuerdo los cursillos con mi maestro Menghini, con las clases llenas, una tocando una sonata, otro haciendo el bajo continuo, varios haciendo cañas y el maestro corrigiéndonos a todos y cada uno de nosotros en positivo...Ahora con el tiempo me doy cuenta de que, si no fuera por la suerte de haber disfrutado mucho del segundo modelo seguramente hubiera terminado abandonando los estudios musicales.