Bajo caminante en la sección "B" del "Auttumn Leaves".

RESUMEN:

  La improvisación a través del cifrado americano que se usa en la música moderna y el jazz está fundamentada en técnicas de enlaces tanto de acordes como en el  uso de un bajo caminante que acompañe a la melodía como a la armonía o el ritmo. 

OBJETIVOS:

• Conseguir destreza en la elaboración de un acompañamiento basado en un bajo continuo. 
• Aplicar posibilidades de enlaces para la mano izquierda.
• Desarrollar una mente abierta que utilice la experimentación como búsqueda sin perder las leyes basadas en la cercanía de las voces.
• Familiarizarnos con el lenguaje de la improvisación.

CONCLUSIONES:

  En la actualidad, las tecnologías de investigación y comunicación se han convertido en la mayor herramienta para acercarnos a cualquier disciplina y hacérnosla posible. En este tutoríal propongo una de las muchas formas existentes de crear un bajo caminante que acompañe a un clásico como es “Autumn Leaves”. Teniendo en cuenta que sus acordes comparten enlaces usados en prácticamente todas las músicas (I-IV;VII-III; II-V), este standard nos servirá de lucero para introducirnos en el apasionante mundo de la improvisación. 

II JORNADA DE LA PLATAFORMA POR LA RENOVACIÓN PEDAGÓGICA EN LAS ENSEÑANZAS ARTÍSTICAS (REM)

Tras una primera reunión celebrada en nuestro Conservatorio en el mes de Noviembre, invitamos a todas aquellas personas que sientan inquietudes por mejorar el sistema educativo musical desde el aula a que acudan a un nuevo encuentro que se celebrará en el Conservatorio Elemental de Triana el Martes 9 de Febrero a las 10:00  horas.

En este encuentro podremos escuchar tres buenas prácticas en las que alumnado de Conservatorios y colegios son capaces de desarrollar proyectos escénicos de calidad que trascienden sus propios centros y que ocupan espacios escénicos como El Teatro Maestranza, el de Alcalá de Guadaira o el de Utrera.
Tras la reunión se expondrán las novedades de la plataforma REM

CREAR “PARTITURAS EN LÍNEA” PARA LA CLASE DE INSTRUMENTO. parte I

RESUMEN:

Mientras que en los colegios se refuerza el aprendizaje de flauta con recursos web, la enseñanza instrumental de los centros musicales vivimos al margen de estas posibilidades. Son ya muy habituales las páginas web de la asignatura de música en colegios donde se generan presentaciones para aproximar el repertorio a tocar con el alumnado. Aunque no tienen un nombre generalizado porque existe una gran variedad de variantes, normalmente se conocen como partituras en línea o interactivas.

OBJETIVOS que se persiguen al introducir el uso de partituras en línea:

- Desarrollar la concentración y la audición como condiciones necesarias para la práctica e interpretación de la música.

- Desarrollar la sensibilidad musical, favorecer el interés y una actitud positiva ante el hecho artístico relacionado con la música.

- Despertar en el alumnado el aprecio y respeto por los diferentes estilos de música desde su instrumento.

- Acercar al alumnado a las nuevas tecnologías y aplicaciones web.

DESARROLLO:

En numerosas ocasiones al profesorado de conservatorio (principalmente el de instrumento) le gustaría que el alumnado escuche mucha más música e incluso en diferentes versiones de instrumentistas (orquestas, directores, solistas…) además de escuchar a su profesor en clase. Esto nos ocurre, sobre todo, cuando se plantea repertorio original y especialmente ante instrumentos de corte tradicionalmente clásico (como la trompa, oboe o fagot) .

Hay que ser realista y asumir que la gran mayoría del alumnado de nuestros conservatorios, por su edad, tienen muy poco interés por la música creada en épocas anteriores a la suya. Por tanto, es tarea nuestra realizar esta invitación de una manera amena, interesante y gratificante para el alumnado para que en ese proceso lleguen a disfrutar tanto de la audición como en la interpretación de ese repertorio. 

La realidad es que todo profesor realiza cualquiera de las siguientes acciones para que escuchen música, se documenten y que tengan más herramientas para preparar las partituras:

-Préstamo o recomendación de diferentes versiones del repertorio (en CDs, memoria USB,

enlaces en youtube o Spotify…)

-Envío por e-mail de acompañamiento de piano sin solista (minus one).

-Invitación a documentarse sobre autor, obras o estilo musical.  

Cualquiera de las anteriores opciones y cualquier otra que contribuya a alimentar el interés musical por cualquier tipo de estilo musical es bienvenido y aplaudible pero nos encontramos que sólo son factibles cuando el alumnado ya ha despertado el interés y el aprecio básico por dicha música.

Las causas del fracaso pueden ser múltiples como: el reproductor de CD no me funciona, solo tengo acceso al ordenador los fines de semana, no puedo leer el formato del archivo, no he recibido ese correo, en la Wikipedia no dice nada…. Todas estas razones pueden ser totalmente reales pero nos inspiran una nula motivación por escuchar este repertorio fuera del aula y su estudio personal.

Basándonos en un recurso que utilizan de forma rutinaria el profesorado de música de los colegios, me gustaría lanzar una invitación a experimentar con las partituras en línea  o digitales que ellos denominan y todas las posibilidades que nos pueden brindan.

Por partituras en línea se entiende una página web donde de forma clara y simple se presentan los elementos que queremos que el alumnado toque, escuche y se documente.  Los elementos básicos que suelen aparecer son:

- Título de la pieza

- La partitura de la pieza.

                  - Se visualizada de manera completa (pdf básico)

- Se visualiza solo el pentagrama que está sonando y éste se va moviendo

                  - Con posibilidad de transportar o cambiar el tono original

- Vídeos o audios de la pieza con diferentes versiones.

- Vídeos o audios con los acompañamientos sin solista (en sonido real o midi).

En esta primera entrada sobre este tema, os presento una página tremendamente sencilla y básica. En ella se puede ver la partitura de un concierto para trompa de Mozart con un audio del acompañamiento para que el alumnado pueda tocar encima, un vídeo con la partitura desplazándose a la velocidad de la música para poder seguir la partitura y dos versiones de trompistas famosos.

http://beldamora.wix.com/3rmozarta

En siguientes entradas iremos añadiendo más elementos como la partitura en línea (en movimiento), posibilidades para variar la velocidad o la altura y una guía para encontrar audios y partituras para poder insertar en nuestras presentaciones.

La presentación anterior se ha confeccionado en base a un blog de Wix.com. Aunque en la red existen muchos blogs o páginas web gratuitas (Wordpress.com, Weebly.com, IMCreador.com, Jimbo.com, websitebuilder.com, Yola.com, Webs.com, Blogger.com…) el más sencillo y extendido para estos usos es WIX.COM.

Aunque es tremendamente sencillo e intuitivo (y además está en castellano) podéis encontrar diversos tutoriales en la red sobre cualquier aspecto. Lo más importante ante cualquier edición de páginas web es empezar y tener un poco de paciencia.  Una vez se registra como usuario y se crea un nuevo sitio, lo siguiente será agregar desde el desplegable de la barra de la izquierda todos los enlaces y archivos que se desee.

CONCLUSIONES:

Realizar presentaciones sobre web o blog puede resultar muy útiles para el alumnado que no tiene el hábito de escuchar música en soporte físico o en la red. Estos recursos se pueden plantear como base para que ellos los amplíen o se encarguen de realizar algunos similares de otro repertorio que necesiten o les interese. Aprovechando la gran herramienta que son los smartphone, estos recursos puede ser una buena forma para acercar al alumnado a las nuevas tecnologías en el estudio del instrumento.

WEBGRAFÍA:

Ejemplos de Blogs de profesorado de primaria que utilizan partituras en línea o digitales:

http://jfranmoreno.wix.com/shrek

http://soniamuslares.wix.com/ghosttown

https://partiturasparaclase.wordpress.com/category/partituras-en-wix

http://flautadepicocpmcm.blogspot.com.es/p/materiales.html

Ritmo-rap: Una forma de aprender ritmo de manera distinta en clase de lenguaje musical.

Resumen:

Una de las finalidades más importantes dentro del marco de la enseñanza musical, sea del tipo que sea, es el disfrute personal y la vivencia de la música en primera persona, haciendo por un instante su reproducción como parte de nuestra esencia. Compartir esta vivencia y desarrollarla dentro del aula individual y colectiva es uno de los mayores placeres del mundo para los profesores que buscamos establecer multiples lazos por medio de la música. Mientras haya lazos musicales los alumnos nos seguirán en esta apasionante y dura carrera del músico profesional.  

Pero no todo tiene porque ser duro y serio, también se puede aprender a partir de la improvisación, del juego musical, hacer la materia interesante y participar entre todos del hecho musical de forma atractiva y lúdica. Todos podemos aprender de todos y si fomentamos la creatividad de forma diversa dentro del aula sólo cosas buenas pueden salir.

"Ritmo-rap" es un nuevo concepto de ritmo dentro de las clases de lenguaje musical.

Objetivos:

- Interiorizar el pulso interno de una obra musical.

- Desarrollar la capacidad de seguir la obra musical como si fuera una obra orquestal donde se producen las distintas entradas de los músicos protagonistas o solistas con un denominador común llamado Orquesta-class que es la base de todo rap y no es otra cosa que el ritmo de fondo de toda la clase.

- Coordinar las bases rítmicas de fondo y las solistas creando Polirritmos por los propios alumnos.

- Valorar la importancia del silencio y respeto por las interpretaciones de los compañeros o compañeras solistas.

- Utilizar  los conocimientos que tenemos de lenguaje musical para traducir los ritmos solistas como nuevas Fórmulas rítmicas desarrolladas e inventadas en la clase y en casa repasando el entendimiento y la resolución de estas en la pizarra y diversas formas de escritura musical. 

- Analizar y corregir muchas taras musicales como acentuaciones en síncopas y distintas articulaciones que  ni existen en la partitura ni deben existir si realizamos el ritmo de manera sentida y viva, no como algo monótono apenas perceptible sino como algo tan delicado y sensible que hay que cuidarlo desde su base, matices, acentos, grafía en su justa medida y acentuación.

Puesta en marcha del proyecto:

Lo más sencillo aunque parezca mentira es practicar partiendo de el movimiento y dejando que el ritmo entre en nosotros de forma individual y colectiva.

Comenzamos escogiendo material del libro que seguimos en el Conservatorio Francisco Guerrero. En este caso la lección escogida es la nº 16 del libro.

Os dejo la canción entonada enviada por una de las alumnas:

Este es el ritmo de la lección que va a utilizar la Orquesta Class como base de fondo para el rap, enviado por otra alumna.

Los alumnos y alumnas del conservatorio parten de la lectura musical, de la realización por medio de acentuación con palmas y con la dicción en fononimia con "ta", "ti" o cualquier vocablo de facil articulación. El ritmo como podemos observar es bastante asequible una reproducción desde el punto de vista musical, pero resulta más dificil si su ejecución es el resultado de la coordinación con las manos y la voz como medio de expresión.

También dividimos la clase en dos o más grupos y hacemos diferentes entradas en la partitura a modo de Canon para realizar Poliritmos como preparativo del trabajo individual que realizaremos después.

A partir de la partitura los conceptos erróneos se resuelven por medio de la simplificación rítmica desmenuzando en la pizarra los contenidos más básicos en esencia.
Generalmente las ligaduras, puntillos, síncopas y agrupaciones irregulares, al igual grupos de valoración especial, son denominador común de Taras Musicales que hay que desgranar para simplificar y comprender.
Estos son algunos ejemplos:

A continuación los alumnos empiezan a componer su rap e inician su fase creativa: Para ello siguen unas sencillas instrucciones con recursos tecnológicos por medio del teléfono móvil con el que graban en mp3 los audios con una sencilla aplicación gratuita de grabadora de voz para todos los sistemas operativos y plataformas. Los alumnos comparten sus archivos por email con la profesora que recibe todo el material musical. Fotos con la fórmulas rítmicas inventadas por los alumnos y los audios donde estos ponen en práctica su "Solo rapero".

Esta foto es del material musical de  una de las alumnas del centro. Un formidable trabajo creativo.

Aquí tenemos un ejemplo más complejo del trabajo que han realizados los alumnos.... a tres partes nada menos.

Estos son algunos de los audios entregados: en ellos se puede seguir la propia partitura rítmica que será el trabajo de fondo musical de la Orquesta class y a continuación el sonido de solos de audios con el protagonista solista.

Conclusiones:

Las mejoras en cuanto al entendimiento y la realización exacta de las obras del libro son un hecho. El estudio y avance en el conocimiento de fórmulas más complejas inventadas por los alumnos y alumnas hace posible que la clase se mantenga expectante por intentar acertar con las medidas rítmicas que reproducen. El respeto por las interpretaciones de los compañeros, la valoración del silencio y el seguimiento de las distintas entradas de forma fluida hacen que los alumnos mejoren en concentración y practiquen el seguimiento de la obra como si fuera una orquesta en la que todo fluye.
Independientemente del gusto interpretativo, las ideas de los alumnos se comparten y se busca la comprensión rítmica entre todos. Se favorece la creatividad al mismo tiempo que mejoramos aspectos musicales, desde las cosas más elementales como acentuaciones, articulaciones, discriminación auditiva, trabajamos la coordinación en base a los ejercicios realizados donde utilizamos el cuerpo como instrumento de percusión, entre otras actividades. Todo con una misma finalidad. Hacer partícipe al alumnado como parte viva del hecho musical.

ATENDIENDO A LA DIVERSIDAD EN LAS CLASES COLECTIVAS DE INSTRUMENTO

Ya he utilizado en otras ocasiones un artículo de Tomás Marco en el que se quejaba de que todos los músicos profesionales que logramos formar en los Conservatorios son tan homogéneos que es difícil diferenciar el sonido de las orquestas sinfónicas de todo el mundo. Esto permite asegurar que la palabra diversidad no es algo que guste mucho en los Conservatorios.
Sin embargo, es de los lugares que, sin tener una preparación específica para atender a la hetereogeneidad de un grupo se puede lograr adaptarse a las expectativas, niveles o aptitudes de cada alumno/a por el simple hecho que la mayoría de las clases son de carácter individual: un/a profesor/a - un/a alumno/a.
Todo ello se complica cuando tenemos en el aula alumnado hetereogéneo, en el que cada uno/a necesita una formación diversa compartiendo tiempo y espacio. En esa situación se sienten legitimados para afirmar tajantemente que es imposible dar clase de instrumento con un grupo de tres niños y niñas hetereogéneo; y de ahí se desemboca en la defensa de la clase individual como el único modelo válido en la enseñanza musical, ya que es el que se ha usado toda la vida.
Sin embargo, cada vez me doy cuenta que existe un camino trazado por el mejor profesorado que hay en nuestras aulas que comienza en la defensa de lo individual (1:1) para posteriormente pasar a la aceptación de la clase colectiva 3:1 en los primeros años, siempre y cuando se trate de alumnado homogéneo. Después comienzan a no querer perder los beneficios de la clase colectiva y lo van ampliando a cursos posteriores. El inconveniente de convivir con niveles hetereogéneos se superan con cambios en la metodología utilizada en los últimos siglos. Y así avanzan explorando nuevas fórmulas que terminan desembocando en clase abiertas, sin horarios fijos, con alumnado de diferentes cursos tocando juntos, con aprendizaje cooperativo y con unos resultados (si el servicio de inspección no lo detecta) espectaculares.


Para seguir esta especie de "camino hacia la iluminación" es recomendable tener en cuenta los siguientes principios:
1. Es antinatural encerrar en una habitación a un niño/a de 8 años con un señor/a mayor para dar clase; a los niño/as les gusta estar con los de su edad, la motivación para asistir a clase no suele ser el profesor/a sino sus compañero/as.
2. Hacer grupo es fundamental para crear una identificación con el instrumento o con la actividad; si el alumnado se siente identificado con ello podrá superar las múltiples crisis que tendrá a lo largo de sus estudios, ya que el instrumento vendrá asociado a una serie de valores positivos que no querrá abandonar: su grupo de amigo/as, el ambiente del aula, las actividades que desarrollen, etc...
3. El profesorado de instrumento tiene el oído suficiente como para escuchar quién está haciéndolo bien y quién no en una interpretación al unísono o a diferentes voces. Existen técnicas para que también el alumnado se de cuenta de qué hace bien y qué puede mejorar sin necesidad de someterlo a una ejecución en solitario cuando aún no está cómodo en esta situación. A un profesional (al menos del viento y percusión) le parece normal que un director le haga tocar un pasaje sólo y le de indicaciones sobre su ejecución, sin embargo, esta situación para un alumno/a puede ser el principio de la escalera que termina en el miedo escénico. Ese " a ver, tú solo" no es tan inofensivo como pensamos, al menos hasta que logremos crear un clima de confianza en el que el error no es más que una parte del aprendizaje.
4. No todas las voces para conjuntos del mismo instrumento tienen el mismo nivel de dificultad, y en caso de tenerlo, para eso están los editores de partituras, para hacer arreglos a la medida del nivel de quien va a tocar cada voz; así, alumnado de diferentes niveles puede estar tocando una misma obra.
5. Si tengo 4 alumno/as de un mismo curso o nivel a quien debo hacer una explicación sobre algún aspecto técnico, es mejor reunir a todo ese alumnado y hacerlo una sola vez, liberando tiempo para otros aspectos que tenga que hacer de manera individual.
6. No hay que subestimar las posibilidades del aprendizaje cooperativo. En determinados instrumentos es importante que el alumnado tenga una referencia de afinación, calidad de sonido, potencia, etc.. de alguien de mayor nivel, normalmente es el/la profesor/a, pero pueden ser también los compañero/as.

Tengo recuerdos muy diferentes de las clases en las que mi profesor se sentaba en el aula y me pedía que iniciara la ejecución de lo que había estudiado, yo iba percibiendo su desaprobación por las cosas que estaba haciendo mal y rezaba para que lo antes posible cortara la ejecución y comenzáramos a trabajar pasajes donde estaban los problemas; el recuerdo no es grato. Sin embargo, recuerdo los cursillos con mi maestro Menghini, con las clases llenas, una tocando una sonata, otro haciendo el bajo continuo, varios haciendo cañas y el maestro corrigiéndonos a todos y cada uno de nosotros en positivo...Ahora con el tiempo me doy cuenta de que, si no fuera por la suerte de haber disfrutado mucho del segundo modelo seguramente hubiera terminado abandonando los estudios musicales.

Curso del cep sobre procedimientos en la música actual e improvisación

Nos congratulamos en anunciar que en este trimestre vamos a disfrutar en el CPM Francisco Guerrero de un curso de Procedimientos en música actual e improvisación para profesores de piano.

El ponente de este curso organizado por el Centro del Profesorado de Sevilla será Juan Carlos Lax, profesor de piano en nuestro centro y miembro activísimo de este departamento de Atención a la Diversidad.

El curso se desarrollará a partir del 24 de febrero en tres sesiones de 3 horas, completado con algunas prácticas no presenciales. Será un momento ideal para acercarnos a los mecanismos y técnicas fundamentales de estos estilos de mano de un ponente que es todo un experto en la materia. Próximamente podremos inscribirnos en las actividades formativas del CEP de Sevilla.

Recientemente dos obras para trompa y piano compuestas por Juan Carlos Lax han sido publicadas por la editorial Brotons y Mercadal. Se trata de una versión de La Tarara (popular) con tintes jazzísticos y flamencos, y una pequeña pieza en forma ternaria titulada New York miniature. Ambas obras fueron estrenadas por Paco Rodríguez Azorín (trompa) en el Opera América Theatre de Nueva York en noviembre de 2014.

Podéis encontrarlas en el apartado de partituras -colección de interpretes- Paco Rodriguez (trompa) de la editorial Brotons y Mercadal.

Cifrado americano;parte II

Acordes con notas alteradas: (los más frecuentes con sus posibles cifrados)

Son acordes que aparecen ya desde hace tiempo. Recordemos que según la teoria clásica, las sextas aumentadas son dominantes secundarias (excepto la suiza) con la 5ª rebajada que provienen del contrapunto. Evidentemente, el paso del tiempo desarrolló y llevó la armonía funcional a su máximo exponente con las corrientes musicales de principios del siglo XX.
Para mí, el jazz ha sabido recoger esas fantásticas armonías de los maestros europeos para desarrollar un lenguaje propio y fascinante

Objetivos de esta entrada:
-Que alumnos y profesores de música conozcan este cifrado
-Intentar disipar dudas que muchos tenemos al respecto
-Aplicar a nuestras composiciones y/o improvisaciones acordes y cifrados aquí expuestos

Mayores 

Menores

Suspendidos 

Dominantes

Otra forma de cifrar

Acordes barra o slash chords

Como ya vimos en la primera parte, para las inversiones de un acorde utilizamos los acordes barra, pero también lo podemos utilizar para poner en el bajo la 9ª, 11ª y 13ª ( 2ª, 4ª y 6ª) o cualquier otra nota y cifrarlos de dos maneras.

Poliacordes

Es cuando utilizamos un acorde superpuesto a otro. Se suelen utilizar con más frecuencia en los quintos grados para utilizar las tensiones alteradas (estructuras superiores). Si os fijáis, en algunos de los acordes alterados de arriba, nos aparecen esas estructuras. 

Lo habitual es que el cifrado aparezca así, pero también de esta otra (poco frecuente,aunque más fácil de ver)

(se suele tocar solo la 3ª y 7ª en el acorde de dominante)

Conclusiones:

En mi experiencia de aula,el conocimiento del cifrado americano despierta en el alumno/a mucha curiosidad, ya que lo encuentran constantemente tanto en los standards de jazz como en canciones de música actual